La plataforma de búsqueda y reproducción de música y podcasts Spotify anunció a finales de noviembre de 2023 una serie de cambios en la remuneración de los artistas. Ahora, los menos de medio centavo de dólar (U$ 0,0033) por reproducción serán exclusivos para aquellos que tengan más de mil reproducciones mensuales, lo que significa que los artistas con números más bajos trabajarán de forma gratuita para la plataforma.

Trabajadores: A principios de los años 2000, herramientas como 4Shared, eMule, Ares y otras formas de descarga popularizaron el consumo de música a través de internet. Posteriormente, YouTube y sitios como BotaPagodão.net permitieron a los usuarios acceder a la música de manera más segura, reduciendo los riesgos de instalar programas maliciosos en sus computadoras. A pesar de esto, aún faltaban formas de remunerar a los artistas por la distribución, que antes estaba monopolizada por las grandes compañías discográficas, que controlaban desde la grabación hasta la venta de discos.

Como es habitual, el capitalismo se adaptó y surgieron las primeras plataformas de reproducción en línea (streaming) pagas, y Spotify fue una de las que más se destacó. Vendiéndose por su practicidad para encontrar cualquier música en una sola aplicación y escucharla de forma gratuita a pesar de los anuncios, rápidamente se convirtió en hegemónica y prometía condiciones más justas: el oyente consume los anuncios o paga la suscripción y el dinero se reparte entre los artistas. Desafortunadamente, no es tan simple.

Para distribuir una canción (fonograma), el artista debe recurrir inicialmente a una distribuidora. Esta empresa facilita el contacto entre el artista y las plataformas digitales, además de la recaudación de regalías (la parte del valor facturado por la plataforma que se destina al artista). En caso de que el plan elegido por el autor sea gratuito, la distribuidora también se apropia de un porcentaje de ese valor.

Si el artista no está registrado en una sociedad recaudadora, como la Asociación Brasileña de Música y Artes (ABRAMUS) o la Unión Brasileña de Compositores (UBC), la distribuidora generará el código ISRC y se apropiará también del valor de los derechos de autor y conexos, relacionados con la ejecución pública de la obra.

Al final, el dinero que llega a la cuenta de los artistas involucrados en la grabación es mínimo en comparación con la cantidad generada en las plataformas de streaming. Un informe de la revista Business Insider calculó en 2020 que se necesitarían 300 reproducciones para que un artista recibiera un dólar de remuneración, lo que obliga a casi todos los artistas a mantener una doble o triple jornada de trabajo para seguir sustentando su oficio.

La respuesta de la empresa

Daniel Ek, director ejecutivo y fundador de Spotify, que no es músico, respondió públicamente a las quejas de los artistas diciendo que deberían grabar más si estaban insatisfechos. Esto reproduce una lógica neoliberal que solo beneficia a las grandes compañías discográficas, responsables de vaciar la música como arte y convertirla en un mero producto industrializado para consumo rápido y lucro.

El capitalista, que ocupó un cargo directivo en el polémico programa de descarga de archivos μTorrent, denunciado por minar criptomonedas en las computadoras sin la autorización de los usuarios, también es propietario de empresas de tecnología para vigilancia y guerra. Hizo la vista gorda al negacionismo del presentador de podcasts Joe Rogan durante la pandemia, así como a sus declaraciones racistas y misóginas en los programas.

Frente a los importantes cambios en las leyes de derechos de autor en Uruguay, el CEO declaró que sería insostenible pagar cantidades más justas a los artistas y cerró sus operaciones en el país, lo cual parece irreal para la empresa que tiene el monopolio de la distribución de música en el mundo y obtiene ganancias exorbitantes con el trabajo de millones de artistas. Detrás del discurso de libertad y democratización de la industria musical, lo que vemos es un modelo de uberización de la música, similar a lo que sucedió con las entregas y los viajes en taxi a través de las aplicaciones.

La falsa democratización

Hoy en día, prácticamente cualquier persona puede grabar una canción y distribuirla en internet para que sea escuchada en casi todas las plataformas de música. Esto crea una ilusión de libertad, poder y igualdad de condiciones entre los artistas y las discográficas, ya que estas ya no tienen el monopolio de la grabación y distribución. Sin embargo, es necesario profundizar y observar algunos detalles en este asunto.

Los estudios caseros montados con equipos generalmente muy baratos y de baja calidad, y la piratería de herramientas de producción musical, funcionan como un control roto en manos de un hijo menor que piensa que está jugando con sus mayores, pero está apoyado en el juego.

Mientras los artistas independientes luchan por conseguir espacio en las listas de reproducción, las discográficas pueden comunicarse fácilmente con las plataformas y las distribuidoras y, entre otras cosas, subir las canciones de sus artistas en tiempo récord (como el álbum Donda de Kanye West, finalizado en el último momento y distribuido de inmediato) y alcanzar las mejores posiciones en las listas con más oyentes.

Para tener una idea, el tiempo promedio para publicar una canción en la distribuidora OneRPM es de dos a tres días hábiles, siempre que no se detecte algún problema con la portada, y el proceso de curación de las listas de reproducción es una lotería. Antes, las discográficas controlaban físicamente la producción y distribución de los fonogramas, hoy utilizan sus relaciones políticas y económicas para obtener grandes beneficios frente a la escena independiente.

Cuando un artista como Billie Eilish, cuya producción musical fue casera, recibe premios, los periódicos burgueses se apresuran a contar su historia como si fuera parte de una nueva generación de músicos. Esta propaganda ignora la acción de la discográfica detrás de la asesoría, la postproducción, la distribución y la publicidad, realizadas con una cantidad de dinero que un artista independiente nunca olerá en toda su vida, sin contar el privilegio de dedicarse por completo a la música, una realidad lejana para aquellos que necesitan vender su fuerza de trabajo, prisioneros de un sistema que no ve el arte y la cultura como necesarios, a menos que puedan alienarlos y convertirlos en una fuente de lucro.

Los problemas presentados reflejan una realidad dentro del mercado laboral de la cultura: precarización, vínculos laborales frágiles o inexistentes y una dictadura de los grandes grupos corporativos, que controlan quién tendrá vis 


Traducción al español desde la página de A Verdade